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Monthly Archives: enero 2010
Filtros: el polarizador, ejemplos prácticos
El polarizador es el rey de los filtros, aunque no es el que más suelo utilizar. Es de los pocos filtros que no pueden simularse digitalmente con programas como Photoshop. El polarizador filtra y eliminalos los reflejos en el momento de disparar, aunque no al 100%. Esto hace posible fotografiar algo que está detrás de un cristal (tras una ventana, un escaparate, el cristal de un coche), eliminar los reflejos del agua para ver el fondo o azular el mar, recuperar el color real de superficies brillantes o conseguir un cielo azul espectacular.
Etiquetas filtro, filtros, polarizador, polarizer
El Horror de Dachau
Hace un par de años visité el memorial del campo de concentración de Dachau, a 30 kilómetros de Munich. A no ser que seas de piedra lo primero que sientes cuando entras en un lugar así es sobrecogimiento. Una sensación de profundo respeto a los que vivieron este horror te empuja a hablar bajito, mantenerte en silencio y reflexionar sobre lo fácil que es nuestra vida actual. Intentas imaginar cómo sería ese sitio tan terrible diseñado para albergar a 4000 personas y que a finales de la guerra alcanzaba 32000.
La entrada del campo aún mostraba algunos vestigios de las vías de los trenes que transportaban a los judíos, arrancados de sus familias, al campo de concentración.
Cuándo se ponen el sol y la luna
The Photographers Ephemeris es una herramienta que no le puede faltar al fotógrafo de paisaje. Con esta herramienta gratuita podrás saber a qué hora sale y se pone tanto el sol como la luna, en un lugar cualquiera del mundo, en una fecha cualquiera. También nos permitirá conocer los cuartos de la luna y como el porcentaje de ésta visible. Igualmente, nos indicará esquemáticamente la orientación del sol y la luna al salir y ponerse.
Está programado por Stephen Trainor, es gratuito y utiliza los mapas de Google Maps para geoposicionarse.
Robert Capa dice
“Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente”
Gregory Colbert
Hace tiempo descubrí la obra de Gregory Colbert “Ashes and snow” (Cenizas y Nieve). Sus imágenes me impactaron. Me sorprendieron por su calidad, su elegancia y sobre todo me sorprendió que era una colección realmente extensa. Es raro ver la mezcla de tanta calidad con tanta cantidad. Aunque por lo que más me sorprendieron fue por su capacidad de comunicar. El mensaje no puede ser otro que serenidad y amor por la naturaleza.
Después de ver la colección dudé de si podría se montaje o si serían imágenes reales.
Etiquetas ashes and snow, colbert, gregory
Mi foto en acuarela
Da gusto cuando a uno le hacen un regalo personalizado. Éste ha sido uno de los mejores, si no el mejor, de los regalos personalizados que he recibido. Este año me he casado y un familiar, que es un fantástico pintor, nos ha regalado una acuarela de una foto hecha por mí. La foto en cuestión tiene un valor personal muy alto. Además de ser una de mis favoritas ha sido premiada el año pasado en un concurso de fotografía, estuvo presente en mi primera exposición individual Look Right y también decora la pared de una amiga.
La foto de partida ya era de mi agrado, pero la acuarela ha superado todas mis expectativas.
Fotografiar cuadros o cómo conseguir el color exacto
Recientemente me pidieron que hiciera fotos a unas acuarelas. Fotografiar cuadros, posters y muchos otros objetos y que la foto respete la realidad tiene muchos retos. Conseguir la exposición, la nitidez exacta, no distorsionar la forma de la obra y sobre todo obtener el color exacto de lo que fotografiamos son las dificultades que nos encotraremos. La fuente de luz puede hacer que varíen los colores y los tonos, no coincidiendo con la realidad. Por ello el ajuste de blancos tiene que ser exquisito. Aquí os cuento qué proceso seguí para hacer las fotos de las acuarelas y obtener el mejor resultado posible.
Utilicé un objetivo fijo 50mm. De todos los que disponía era el que más nitidez podía ofrecerme. Por otro lado 50mm de distancia focal es muy buena para evitar distorsiones. Por debajo de 50mm de distancia focal se distorsiona la imagen con mucha más facilidad, más aún cuanto más gran angular es el objetivo.
Iluminé el cuadro con flash rebotado al techo para obtener una iluminación uniforme. Eso me permitió disparar en ISO100 para conseguir mayor calidad de imagen y menor ruido. Las acuarelas no estaban enmarcadas y no tenían cristal. De no ser así no podría haber iluminado con flash tan alegremente porque habría generado reflejos del flash en el cristal. Esto bien merece otro post.
Para evitar más distorsiones por perspectiva me coloqué totalmente perpendicular al cuadro, centrado tanto en altura como en ancho.
Disparé en modo manual. Buscando la máxima nitidez ajusté a f/8 la apertura de diafragma, ya que es una zona donde mi 50mm, como la mayoría de los objetivos, ofrece la mayor nitidez y una buena profundidad de campo, que al final redunda en una buena nitidez. Para evitar trepidación podría haber utilizado un trípode, pero no es el caso, ya que al iluminar con flash tenía suficiente luz como para disparar a 1/125 seg. Aunque usar el trípode es siempre buena recomendación (aquello de hace lo que yo digo y no lo que yo haga).
Para conseguir los colores y tonos reales lo utilicé una tarjeta calibrada de la marca QPCard.
Pintando con luz
La fotografía no es más que captar la luz disponible durante un tiempo concreto.
Llevando ese concepto a un extremo podemos dejar nuestra cámara en el trípode y durante un tiempo dibujar en el aire con una linterna, un led o un puntero laser. La cámara captará cada uno de los trazos dibujados en el aire.
ISO 400 | T.exp: 76 seg. | Apertura: f/4.5 | Distancia focal: 11.0mm
Esa es la técnica que utilicé para hacer estas fotos. No son más que mi primer intento de hacer lo que se llama lightpainting (pintar con luz).
Etiquetas lightpainting
Richard Avedon
Creo que no hay mejor forma de comenzar un blog de fotografía que recordando a los grandes maestros del siglo XX. Nos movemos en un ambiente fotográfico donde nos obsesionan los megapíxeles de nuestras cámaras, el retoque en Photoshop o si nuestros objetivos tienen estabilizador o no. Y no está mal rodearnos de buenas herramientas. Sin embargo muchas veces nos olvidamos de alimentar la creatividad aprendiendo de los que podrían darnos más de 101 lecciones (ahora que tan de moda está lo del 101) y de aprender realmente de fotografía. Estos bien llamados maestros tomaban sus fotos con medios mucho más rudimentarios y a la vez complejos que los actuales. Ello requería un conocimiento mucho más amplio de todos los conceptos que realmente son importantes en la fotografía, como el control de la luz, el color o el revelado. Los medios analógicos no permitían utilizar el ensayo y error con la instantaneidad de la que disponemos hoy. Eso le da un mérito adicional a sus obras. Pero no todo en fotografía es técnica. También hay arte e innovación. El valor que podemos darle a los grandes maestros del siglo XX es que muchos realmente innovaron y fueron pioneros en muchos aspectos.
En esta ocasión quiero hablar de Richard Avedon, que es uno de mis fotógrafos favoritos.
Richard Avedon
Para mí fue uno de los grandes en retrato. Me cuesta mucho decidirme entre él y otros de los que hablaré en próximas publicaciones.
Este fotógrafo neoyorquino nació en 1923 y comenzó su andadura fotográfica al ir a la guerra en 1942, con una cámara Rolleiflex que le regaló su padre antes de partir. Comenzó usando su cámara como herramienta para la identificación del personal del ejército. A la vuelta pronto dio un gran giro y metió la cabeza en la fotografía de moda, donde consiguió revolucionar este ámbito.
Hasta Avedon las fotografías de moda transmitían indiferencia. Él consiguió darle la vuelta, creando auténticas obras de arte. A finales de los cuarenta ya era fotógrafo jefe de Harper’s Bazaar.
En 1966 empezó a trabajar profesionalmente para Vogue. No sólo hizo fotografía de moda. También retrató a gran parte del famoseo de la segunda mitad del siglo XX, consiguiendo como pocos transmitir la verdadera personalidad de sus modelos.
En 1992 comenzó a trabajar para The New Yorker. Sus exposiciones han recorrido todo el planeta y ha sido galardonado.