Para hacer esta foto busqué un fondo más o menos oscuro y puse a mi sobrino a un metro aproximadamente del fondo. La cámara estaba en un trípode totalmente estática, con un cable disparador para poder disparar en modo BULB. En mi mano un flash de zapata ajustado en manual a una intensidad de 1/32. Le pedí a mi sobrino que primero mirase hacia un lado y desde allí yo le disparé con el flash en la mano utilizando el botón de test. Después miró hacia el otro lado sin mover el cuerpo y volví a disparar el flash desde el otro lado. Es la forma de exponer su cara dos veces en una misma toma.

Los datos EXIF son los siguientes:
IS0 100 | f/6,3 | 11 segundos (BULB) | 35mm | Flash de mano a 1/32 en manual (1 usado a 1 metro aprox. del modelo).

Y aquí otro ejemplo disparándome a mí mismo.

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Hoy me he enterado (via Caborian) que ha publicado en su blog unas notas con muchas fotos de ejemplo del taller, explicando el efecto que provocan los diferentes modificadores de flash. Sin duda es muy interesante. La única pega es que está en inglés, pero es fácil de seguir.

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Cuando empecé a interesarme por la iluminación me compré una gran tela negra para usarla como fondo en las fotografías de retrato.

¡Error! Las telas se arrugan y suelen tener brillos. Al final, fotografiar con fondos de tela, como sean finas y “arrugables”, es un infierno. Para todas las fotos que he hecho usando esta tela, he tenido que procesarlas en Photoshop, eliminando las arrugas y ennegreciendo el fondo de forma artificial. Para ello selecciono todo lo que quiero en negro puro y relleno con negro. Lo más difícil es cuidar los bordes de las personas y el pelo. Para afinar con los bordes selecciono incluyendo una parte del motivo y ajusto niveles. Simplemente mover el deslizador del negro un poco a la derecha enseguida obtienes un negro perfecto y algo respetuoso con el pelo.

Ésta es la forma de hacerlo mal. Sin embargo, me parece interesante ver que como la parte izquierda del histograma recoge los negros, es cuestión de “quitar” información de esta parte con el ajuste de niveles y así los tonos oscuros serán más oscuros. Y aunque sea una forma poco elegante de hacerlo, puede ayudarte a salvar unas cuantas fotos y sobre todo puede ayudarte a hacer ciertas fotos cuando no tienes medios. En este video puedes ver el método.

Habría sido mejor comprar un fondo negro de papel o de terciopelo. En cualquier caso para dejar el fondo negro lo que hay que hacer es no iluminarlo, es decir, bloquear la luz para que no le llegue. Aunque sea de color negro, cualquier tela o papel siempre refleja parte de la luz y no se consigue el negro perfecto. Si iluminas el sujeto u objeto de la fotografía y creas la suficiente diferencia de luz con el fondo, éste quedará totalmente negro. Si además el fondo de por sí es negro será mucho más fácil hacerlo. En la siguiente foto el fondo era de papel. Éste no recibía nada de luz y la chica recibía una gran cantidad de luz proveniente de flashes.

En la foto de la flor el fondo era un mueble, pero estaba lo suficientemente lejos como para no recibir la luz del flash y por tanto quedar negro. En la foto de la derecha he sobre-expuesto la imagen para delatar que el fondo no era negro.

En la foto de la fresa utilicé un pequeño fondo negro de terciopelo, y desde la izquier iluminé la fresa desde la derechada y se generó la suficiente diferencia de luz con el fondo como para dejarlo totalmente negro.

La forma buena es crear una diferencia de luz entre el fondo y el motivo lo suficientemente grande como para que la cámara no capte nada de luz del fondo.

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La colonia…

La gota…

El humo…

El limón cayendo en un vaso de gaseosa…

No sigo, pero tengo más. Todo esto está muy bien siempre que no se pierda la perspectiva. Este tipo de pruebas te ayudan a aprender a controlar la luz y entender más de una cosa. Y por qué no… incluso hasta puedes hacer alguna que otra foto comercial. A más de un restaurante no le vendrían nada mal nuestros servicios. Y cómo no, es una fabulosa escuela para aprender a usar el flash. Os animo a probar vuestros propios experimentos en casa.

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Entre la foto anterior y la siguiente ha pasado una hora. Si bien entre las dos fotos hay más diferencias, como el tiempo de exposición, que hace que tanto el mar como las nubes queden más movidas y suaves en la segunda. veréis que la luz es completamente distinta. En la primera el cielo del fondo está totalmente blanco. La luz es más azulada. En la segunda el sol ya se ha puesto y las nubes han adquirido un color rosado muy bonito. La luz es más difusa y la montaña queda más iluminada que en la primera, que queda más oscura por la diferencia de luz con el fondo. También, al ser más tarde, hay menos cantidad de luz, lo que me facilitó aumentar el tiempo de exposición para difuminar las nubes y el mar.

Sé que lo que digo es algo muy básico y fácilmente entendible. Sin embargo nunca creí que el cambio podía ser tan radical hasta que lo viví por mí mismo. Este hilo no es más que un par de ejemplos sufridos en mis carnes de cómo la luz puede cambiar en cuestión de minutos y cómo eso puede convertir una fotografía sosa en una fotografía más llamativa.

En este caso ha pasado al revés. Antes de ponerse el sol, éste nos ofreció un atardecer espectacular. Fue ponerse el sol y de repente el cielo se quedó sin color, absolutamente blanco. Hubo unos 10 minutos entre una foto y otra.

Ahora entiendo eso de que el fotógrafo de paisajes espera el momento ideal, lo busca y lo persigue, madruga, reincide y es paciente, hasta que un día aparece esa luz que convierte el paisaje en una fotografía que no te cansas de mirar.

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Googleando encontré este blog que fue mi fuente principal de conocimiento e inspiración.

Después de leer un rato largo y tras varias sesiones de  fotos descubrí que es más interesante de lo que puede parecer. Las fotografías de alimentos hay que construirlas. Puedes y debes controlar casi todo y la creatividad no tiene límites.

En la fotografía de alimentos el objetivo es que el alimento entre por los ojos y sea sugerente. Esto no es tarea fácil. A menudo el tiempo del que disponemos mientras el alimento se mantiene visualmente ”perfecto” es reducido. Los helados se derriten, la carne se seca, la cerveza pierde la espuma, las patatas fritas se resecan, las bebidas pierden el gas, etc. Por eso antes de hacer la foto tenemos que tener muy claro todos los aspectos y tener listo el equipo. No es ninguna tontería hacer pruebas técnicas y de iluminación con “maquetas” u otros objetos. En una foto que hice el chef me dijo con el plato en mano “tienes 30 segundos para hacer esta foto, es lo que esta espuma tarda en empezar a derretirse”.

Hay que tener en cuenta el uso que se le va a dar a las fotos. No es lo mismo hacer una fotografía para cartelería que para catálogo, revistas, etc. Si se hace una serie de fotos con el mismo fin debemos saber si tienen que mantener la misma técnica entre sí y ser homogéneas o no. En esto es crítico que el cliente te diga claramente qué necesita y qué quiere. También es importante tratar con el maquetador para saber sus requisitos. En este caso el maquetador me pidió que el fondo fuera blanco para que los platos no tuvieran brillos de colores ya que el catálogo iría en blanco. El cliente quería que se viera el pastel completo y no estuviera tapado por la decoración, pues al fin y al cabo la decoración era una presentación sugerida, el producto es el pastel. A mí me habría gustado utilizar fondos con color y textura, rellenar espacios con otros objetos o materias primas, o incluso hacer primeros planos de los pasteles. Sin embargo el cliente necesitaba, al ser un catálogo, que se viera el pastel y el plato completo y mantener una imagen homogénea entre los diferentes pasteles que conformaban el catálogo. No valía utilizar una iluminación dura con un pastel y otra muy suave con otro, o un primer plano en una y un plano abierto en otra.

También es muy importante, si es el caso, indicar al chef qué pretendes hacer para que coloque los alimentos de forma adecuada. Aunque si tienes la suerte que tuve yo, si el chef es bueno no tendrás que pedirle casi nada, ya que ellos saben mejor que nadie cómo “componer” un plato y hacerlo atractivo. Aún así es bueno indicar qué pretendes hacer. No es lo mismo poner un pastel en un plato que en un cuenco. En el último caso el pastel quedaría oculto y prácticamente la única foto posible sería desde arriba. Si el objetivo es sacarlo completo es mejor utilizar un plato. Aquí hay que tener cuidado y no meterse en el campo del experto. El chef es él y el fotógrafo tú.

Hay miles de técnicas para resaltar los atributos de un alimento. Desde barnizar las frutas con aceite, usar spray de agua y glicerina para poner gotitas o utilizar el flash y un tiempo de exposición muy breve para congelar unas gotas y transmitir frescura.

Si los alimentos dependen de ti, selecciona bien lo que vas a utilizar. No tengas miedo en preguntar al frutero si tiene otras fresas más bonitas, que son para foto. Las nueces de California son más grandes y regordetas que las nacionales, y la cáscara es mucho más bonita. La nacional es arrugada y oscura. En una foto de alimentos hay que utilizar una composición simple. El objetivo es destacar el alimento en cuestión, y éste tiene que tener la mayor presencia en la foto. Los demás elementos son superfluos y no pueden destacar más.

Es básico ponerse a la altura del alimento. Si lo que quieres es destacar el interior de un filete recién cortado tendrás que ponerte a la altura del filete, si no difícilmente podrás. Las fotografías desde arriba suelen ser terribles.

Cuidado con los vapores que los alimentos calientes pueden desprender, pueden empañarte la cámara.

Cuidado también con los reflejos. Había pasteles brillantes en los que se me veía totalmente en la foto.

En cuanto a los aspectos técnicos es importante cuidar la profundidad de campo y la iluminación. Utilizar flash permite aumentar la profundidad de campo a f/16 o similar. Claro que lo mismo lo que se pretende es precisamente lo contrario. Usar una luz de contra te ayudará a crear brillos y dar volumen.

En mi caso era muy importante poder distinguir exactamente los tonos de los diferentes tipos de chocolate (negro, blanco, con leche). El ajuste de blancos puede ser crítico. Si tienes que afinar puedes utilizar una tarjeta de grises tal como explico en este tema.

La post-producción también es muy importante. Me atrevería a decir que todos los alimentos tienen imperfecciones, las copas y/o platos tienen muescas, arañazos, huellas, etc. Hay alimentos que al manipularlos se estropean y jamás quedan 100% perfectos. Para algo estamos en el siglo XXI y podemos reparar con Photoshop estas imperfecciones. Aquí el tampón de clonar es tu amigo.

Éstas son mis reflexiones después de pelearme un poco con los alimentos. No son palabras de alguien que se dedique profesionalmente a esto y tenga muchos trabajos a sus espaldas de experiencia. Seguro que se me escapan 1000 cosas, pero por eso os recomiendo el blog.

Os dejo un par de videos interesantes:

También os dejo algún enlace a un grupo de Flickr si necesitáis inspiración.

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Fotografía de Strobist

Por esta parte aplaudo la iniciativa por el ánimo de compartir conocimiento y motivar a iluminar.

Para los que empezamos, la iluminación es todo un mundo que parece más complicado de lo que es en realidad. Yo mismo he leido este blog, me ha sido de mucha utilidad y me ha animado a salir de las fotos sin flash y experimentar.

El tema es que como en todo, en fotografía también hay modas. Y ahora está de moda “el strobist”, vamos, lo que viene siendo iluminar con flash toda la vida.

En todos los foros puedes leer “mi primera foto strobist” o “mira qué strobist más bueno he hecho”. Y yo pienso “muy bien, has hecho una foto con flash, guau”. Y lo que me parece peor, hasta se dan cursos de Strobist.

Y es ahí donde me rechinan los dientes. ¿Por qué ponerle nombre a algo que lleva haciéndose de siempre?

Irving Penn haciendo Strobist, y él sin saberlo.

La diferencia con nosotros es que ellos sabían lo que hacían. Entendían el porqué de las cosas y no se limitaban a copiar esquemas de iluminación, probar y ver. La diferencia es que ellos no tenían, como nosotros, la ocasión de probar y re-probar y volver a probar hasta que aquello sale bien. Ellos pensaban, medían, volvían a pensar y volvían a medir, hacían sus cálculos y luego hacían la foto. Y Voilá, fotón. Es lo fabuloso de la fotografía digital, que puedes probar indefinidamente, aunque lo malo es que ahora nos preocupamos menos de saber porqué ocurren las cosas y en realidad controlamos menos el proceso.

Mi opinión, que no es una verdad absoluta, sino sólamente mi opinión, es ¡cuanta tontería y esnobismo todo junto! Vivimos en un mundo de marcas, grupos sociales y modas. Vende mucho más decir strobist que decir “fotoconflashsacadodelacamara”, es como mucho más moderno.

Opino que quien quiera aprender sobre iluminación no debe limitarse a copiar las fotos y esquemas de Storbist, a repetir sin pensar y, por favor, que no diga “he hecho un strobist” (bueno, que haga lo que quiera, que somos libres). Es importante aprender el por qué de las cosas, qué es la difusión, la reflexión, el número guía, la ley del cuadrado inverso, la distancia, el tamaño de la fuente de luz, modelar la luz, la temperatura, etc. De esto también se habla en Strobist.

Os recomiendo dos libros de iluminación donde podréis aprender todo esto. Si leeis los dos, leedlos en este orden. El de Joe McNally requiere unos conocimientos previos. No os lancéis a por él directamente.

Iluminación

de David Prakel

Iluminación para una fotografía impresionante

de Joe McNally

Y ya puestos os recomiendo mucho dos temas que escribió JRodrigo en Ojodigital. Son muy ilustrativos y breves. No se limita a poner esquemas para copiar, y es una buena introducción a la iluminación. A mí me ayudaron bastante en su momento.

Claves generales de la iluminación de retrato

Tutorial de iluminación de estudio

Fotografía de Juan Rodrigo

Aprender la teoría de la iluminación te ahorrará muchos quebraderos de cabeza y te simplificará mucho las cosas.

Ojo, no tengo nada en contra de Strobist, al revés, me parece genial, es el borreguismo lo que me fastidia.

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Joe lleva trabajando en fotografía más de 30 años y ha hecho portadas para Time, Newsweek, Fortune, New York, Entertainment Weekly, The New York Sunday Magazine y Men’s Journal.

También ha trabajado para Life, National Geographic y Sport Illustrated. Su curriculum no tiene fin.

Es díficil cruzar el charco para asistir a uno de sus cursos, pero su afán de enseñar le hace publicar un blog más que interesante, en el cual podemos ver sus últimos trabajos y aprender con sus explicaciones.

Maneja los flashes de reportaje fantásticamente. Su filosofía es que el mejor material que hay es del que uno dispone en cada momento. Para mí lo que mejor hace es meterse en cualquier sitio y combinar luz amiente con luz artificial. No os perdáis su portfolio.

Os dejo un video donde podéis verle trabajar con pleno desierto.

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En esta web de Neil van Niekerk tienes un sitio por donde empezar.

La única pega es que está en inglés, aunque es fácil seguir el hilo.

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Sin embargo éste flash nos puede sacar de más de un apuro e incluso puede servirnos para rellenar.

Hablamos de flash de relleno cuando combinamos la luz disponible con la luz emitida por el flash. Con esto conseguimos iluminar las zonas oscuras y cercanas (recuerda que el flash tiene un alcance) de una foto.

En este ejemplo, al estar debajo de una sombrilla, con una diferencia de iluminación muy grande respecto al fondo, éste queda sobreexpuesto para que ella quede correctamente expuesta. La plaza estaba muy soleada y ella estaba en sombra.

ISO 100 | Modo Av | f/9.0 | 1/30 seg | +0.0 exp | No flash

Sin embargo, al utilizar el flash he podido subexponer la cámara y así el fondo ha quedado correctamente expuesto y a su vez ella sale correctamente iluminada con el flash. En este caso utilicé el flash incorporado en la cámara porque era de lo que disponía en el momento, pero con un flash inalámbrico lateral o rebotado el resultado podría haber mejorado aún más.

ISO 100 | Modo Av | f/9.0 | 1/125 seg | -2/3 exp | Flash

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