Dejo un enlace a la noticia y el video en el que se ve lo ocurrido.

Indignante.

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“Últimamente no me gusta nada de lo que hago”. “No me siento inspirada y me desanimo al ver las fotos de otros, las veo fantásticas , no sé, no me gustan las mias”. “Me siento más comoda con la compacta que con la reflex”. Estas palabras son los síntomas habituales de estos bajones fotográficos. Dan ganas de vender todo tu equipo y dejarlo. ¡Pero no!

La fotografía es como una relación con una persona. Evoluciona, cambia, y en ocasiones te olvidas de qué te llevó a aficionarte. Hay fases de euforia, fases muy creativas, fases de bloqueo, de falta de ánimo, de aprendizaje.

Cuando uno empieza a aprender, todo es genial. Te das cuenta de la cantidad de cosas que puedes hacer, partes de una base en la que todo es descubrir, disfrutas increíblemente, y el proceso fotográfico es muy intuitivo y también institivo. Eso hace que sea muy divertido.

Poco a poco empiezas a aprender más y tratas de controlar mucho más el proceso creativo. La fotografía tiene muchas variables y herramientas y eso hace que controlarlas todas sea muy complicado. Es muy fácil bloquearse con tantas cosas. En esta fase dejamos de divertirnos tanto. Además, cuanto más sabemos más expectativas tenemos en nuestras fotos. Es fácil que eso nos decepcione, porque esperamos resultados que no obtenemos de forma inmediata. Para obtener esos resultados hay que relajarse y tratar de volver a divertirse, hay que rebajar expectativas y dar un paso atrás para poder dar otro adelante. Es importante entender que lo normal no es obtener resultados óptimos en un corto espacio de tiempo. Necesitamos meses o años para ir asimilando todos los conceptos y sobre todo para ser conscientes de usarlos en nuestras fotos. Así, debemos ver la fotografía como un continuo aprendizaje, en el cual abordar todos sus aspectos de forma gradual y no agobiarnos por no estar controlándolo todo. No pasa nada. Poco a poco y pasito a pasito. Si no somos conscientes de esto, nunca llegaremos a disfrutar la fotografía como lo hacíamos al principio.

¿Te has preguntado alguna vez por qué haces fotos? La mayoría de los aficionados hacen fotos para divertirse. Si un día te exiges tanto como para dejar de divertirte, entonces no harás buenas fotos, por mucho que cumplas los cánones de la composición, o por muy controlada que tengas la técnica. Si un día no te salen las fotos como a tí te gustan, lo mejor que puedes hacer es apagar la cámara y disfrutar del paseo. No todos los días estamos en las mismas condiciones. ¿No te pasa igual con el trabajo? Hay días que te levantas con energía y te apetece enfrentarte a todos los retos del mundo y otros te levantas y lo único que quieres es tirarte al sofá. En la fotografía pasa lo mismo.

Es normal ver las fotos de los demás como mejores. Las fotos de los demás son visiones distintas a las tuyas y es posible que a ti no se te ocurran. Por eso te pueden parecer más originales. Ellos verán tus fotos y les pasará lo mismo. No es bueno entrar en el juego de ver quien hace mejores fotos. Lo suyo sería entrar en el juego de ¿cuanto me divierto haciendo las fotos?.

También es normal mirar hacia atrás y ver tus antiguas fotos como peores. Eso significa que has evolucionado, que has progresado, y es genial.

En mis cursos enseño a la gente a salir del modo automático de las cámaras. En estos momentos de bajón existirá la tentación de volver al automático, o incluso coger la compacta. Pues bien, si eso te divierte más y si te hace sentir mejor, ¡adelante! Nadie te puede decir cómo hacer las cosas y cómo vivir tu afición. Eso sí, trata de ver las cosas con una visión amplia y positiva. No te cierres a volver a intentarlo más adelante. Pero haz las cosas de la forma que te sientas más agusto.

En estas fases de idas y venidas, de momentos de subidón y de bajón, podemos parar de hacer fotos durante un tiempo. No es malo. Es algo sano. Yo me he tirado meses enteros sin hacer fotos. La fotografía se vive de muchas formas diferentes, no sólo haciendo fotos. También se puede vivir yendo a exposiciones, leyendo libros, buceando en internet y sobre todo viendo muchas fotos. Puede parecer que esto no sirve, pero nada más lejos de la realidad. Estas fases de no hacer fotos son tiempos de siembra. Vamos alimentando nuestra cabecita, sembrando, educando nuestro ojo, motivándonos y disfrutando de la fotografía de múltiples formas. Con el tiempo, todo eso que hemos ido sembrando se notará en nuestras fotos. Cuando volvamos a coger nuestra cámara cosecharemos resultados, garantizado.

Si finalmente deja de gustarte la fotografía. No te sientas mal si decides dejarla. Al fin y al cabo ¿no lo haces por divertirte? Si no te divierte, si después de un tiempo sin hacer fotos no te pica volver a intentarlo, pues a otra cosa. No serías el primero. El gran fotógrafo Ramón Masats, puede ser un ejemplo. “Me vacié, ya no me divertía hacer fotografías”.

La fotografía es un largo camino, disfruta de él.

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Esta frase remueve todo en mi cabeza y me deja literalmente en el sitio. Yo ya me quejaba de que en la web de Cuarto Milenio usasen una foto mía sin permiso. Imagínate que denuncio y luego el juez me dice con palabras bonitas que como mi foto es chusca, una mera fotografía de vacaciones, cualquiera tiene el derecho de decidir el uso que puede darle. Entonces ¿dónde quedan ahora los derechos de autor?

Nadie tiene derecho, excepto el autor, de decidir qué se hace con las fotos que él mismo ha hecho, lógicamente con matices. Tampoco esto supone que el fotógrafo pueda hacer uso libremente de sus fotos sin tener en cuenta las personas que aparecen en ellas, especialmente si aparecen menores o desnudos. Y precisamente por eso los fotógrafos hacen contratos a sus clientes en los que esto queda muy claro, todo por escrito.

Y lo que yo me pregunto es ¿dispone el Tribunal Supremo de herramientas, conocimiento fotográfico o altura creativa como para valorar fotografías y decidir si son artísticas o no? ¿Con qué criterio? ¿No es el arte suficientemente subjetivo como para no poder decidir esto de una forma objetiva? Lo que para unos puede ser arte para otros no. Es algo que viene discutiéndose desde que el arte existe.

Y me sigo preguntando ¿Qué tiene que ver el arte con el uso comercial de unas fotos que ha creado un fotógrafo al que se le ha pagado por un trabajo? Las fotos podrían ser las peores del mundo, no ser artísticas. ¿No daría eso igual? ¿No tiene el fotógrafo el derecho de decidir el uso que se le dan?

¿Supone esto el fin de la fotografía comercial sin fines artísticos? Veo además que no soy el único que se hace estas preguntas, y es que a cualquier fotógrafo esto nos remueve por dentro. Dejo un enlace a un artículo que habla de esto y con el cual coincido al 100%. Creo que es un análisis muy acertado. En este otro artículo también llegan a conclusiones parecidas.

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Tenemos dos opciones. Una es acercarnos y hablar. Pero ¿qué decir?

“Hola… mira… es que te estaba viendo a la distancia, y verás… es que me gusta tu aspecto extraño. Tienes un peinado peculiar, no sé… te da un aspecto muy cool”  ¿Muy cool? ¿He podido decir eso? Uy, mal, voy muy mal. Todo sea dicho, ésta es una conversación que hay en mi imaginación. Gracias a Dios nunca le he dicho a nadie que es muy cool.

Hay personas con un gran don de gentes. Envidio a esas personas que son capaces de acercarse a cualquiera y preguntarles cualquier cosa, que son capaces de empatizar con los demás y finalmente hacer que la persona se sienta cómoda como para sacarles una foto. Eso es muy difícil y para mí es lo que más mérito tiene.

La otra opción es sencillamente echarle morro. Acercarte a las personas, disparar y seguir caminando, sin darles tiempo a procesar que les acaban de hacer una foto. Te tacharán de loco, seguro, te mirarán raro, e incluso te tocará correr en alguna ocasión. Las fotos obtenidas de esta forma serán diferentes a cualquier otra foto. Como referente de este tipo de fotografía encontramos al fotógrafo de la agencia Magnum Bruce Gilden.

Alucino por cómo trabaja. Este señor va por la calle con una cámara y ¡un flash! en mano, disparando al personal a bocajarro y cuando menos te lo espera ya te ha hecho una foto. Los resultados obtenidos serán totalmente diferentes, lógicamente, que si te paras y preguntas. Creo que el truco está en seguir andando, y no dar opción a la gente a pararse a pensar.

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El caso que más me emociona es una foto que Annie Leibovitz le hizo a John Lennon con Yoko Ono. En ella John abraza totalmente desnudo a una Yoko vestida. Esta fotografía nació de la mente de Annie y John y Yoko estuvieron dispuestos a realizarla. Lo que nadie sabía era lo que iba a pasar cinco horas después. Esta fotografía se convirtió en histórica cuando John Lennon murió esa misma tarde tiroteado. Fue una de las últimas fotos de John. La fuerza de esta foto hizo que la revista Rolling Stone, para la que Annie trabajaba entonces, publicara en su portada dicha foto sin ningún titular.

También podemos valorar las fotografías por ser innovadoras en su tiempo. Se me viene a la cabeza el libro “Los Americanos” de otro de los grandes de la fotografía, Robert Frank. Robert se dedicó a recorrer Estados Unidos durante varios años y retratar su realidad. Este tipo de fotografía apenas existía entonces y eso le dio un gran valor histórico actual. Henri Cartier-Bresson hacía lo propio en Europa, retratando a la sociedad parisina, pero sin largos viajes a lo largo del país. Robert retrató a la sociedad en su más amplia realidad, sin maquillajes.

Otras fotografías recogieron momentos históricos que merecen ser recordados. Grandes fotografías por este motivo pudieron ser perfectamente las primeras del hombre en la luna.

O el final de la segunda guerra mundial retratado en un beso de dos perfectos desconocidos en Times Square, una enfermera y un marinero. El beso por Alfred Eisenstaedt.

El desembarco de Normandía retratado por Robert Capa,

o Madre Inmigrante de Dorothea Lange, que nos mostraba cómo la gran depresión americana había dejado a una familia sin alimento. Acababan de vender los neumáticos de su camioneta para poder comprar comida.

Otras fotografías históricas nos traen realidades difíciles de asimilar. En muchas de ellas debemos preguntarnos qué sintió o pensó el fotógrafo en el momento de hacerlas, o cómo afectó a sus vidas. Las guerras, el hambre o la religión son temas recurrentes que afectan a los fotoreporteros y a los que observamos esa fotos sin estar delante. Todos conocemos la famosa foto de Kim Phuc corriendo desnuda con la piel quemada tras un ataque con napalm en Vietnam.  La fotografía la hizo Nick Ut y tuvo un poder miediático impresionante en Estados Unidos, haciendo que la sociedad americana se cuestionara muy profundamente el sentido de la guerra de Vietnam.

La fotografía del niño y el buitre en Sudán, de Kevin Carter, que le valió el premio Pulizer, hizo añicos la conciencia de este fotógrafo por no ayudar al niño. En ocasiones una foto puede parecer algo diferente a la realidad. El niño murió 14 años después. En el momento de la foto su tribu estaba a unos metros. El mensaje de esta fotografía fue elemental, el niño era el problema del hambre y la pobreza, el buitre era el capitalismo y Carter era la indiferencia del resto de la sociedad. El fotógrafo tuvo una gran presión mediática y social que hizo que se arrepintiera de hacerla.

Muy simbólica fue también la foto del “Rebelde desconocido”, que se enfrentó al ejército en las revueltas contra los estudiantes de la plaza de Tiananmen. Fue fotografiado por varios fotógrafos, entre ellos Jeff Widener, para la agencia Associated Press (AP), quien la noche anterior había sido asaltado y agredido por la policía china que le requisó el material captado de la represión contra los estudiantes. Estuvo muy hábil el fotógrafo Jeff Widener, que escondió el carrete en la cisterna del inodoro y pese al registro de su habitación, logró sacar la foto y enviarla a su redacción. La foto fue titular en cientos de periódicos y revistas, y el principal titular en muchos noticiarios alrededor del mundo. Más tarde la revista Time, incluyó al “Rebelde Desconocido” en su lista de las cien personas más influyentes del siglo XX.

En otras podemos viajar por el mundo sin levantarnos de nuestro sofá, mostrándonos las diferencias culturales. La foto de Steve McCurry de la mujer afgana rompió moldes. Una penetrante mirada en una época en la que fotografiar a la mujer afgana con la cara descubierta le daba un valor incalculable. Décadas después Steve buscó de nuevo a la chica afgana y volvió a retratarla.

Las diferencias religiosas también se ven en la historia de la fotografía. Se me vienen a la cabeza las imágenes de la española Cristina Garcia Rodero, de la agencia Magnum, que tomó en Haiti de rituales relacionados con la magia negra.

Otro aspecto que le puede dar mucho valor a las fotos es cuestionarse quién fue el primero en hacer un tipo de fotografía. ¿Quién hizo las primeras fotos de desnudos? Los primeros desnudos fotográficos tenían la dificultad de ser aceptados socialmente, por su realismo y por tener un rostro con nombre y apellidos. Las primeras fotografías de desnudos fueron utilizadas como material pornográfico y también fueron utilizadas por los pintores por comodidad, para no mantener durante horas a los modelos desnudos. Las primeras fotografías de desnudos que fueron aceptadas por la sociedad como elemento artístico fueron las de Lewis Carroll, el autor de Alicia en el País de las Maravillas, y de Julia Margaret Cameron. Eran fotografías de niños y niñas desnudos o semi-desnudos en poses naturales. Fueron aceptadas por tener un alto contenido pictórico, aunque es curioso cómo ese tipo de fotografías hoy serían incómodas para nuestra sociedad actual por ser menores. Cuando nació la fotografía fue un choque muy grande y tardó mucho tiempo en ser aceptada como un tipo de arte más por su gran realismo. Hubo una gran lucha entre la pintura y la fotografía, lo que dividió la fotografía en dos, una rama realista y otra rama pictoralista.

¿Se pueden hacer desnudos con estilo y glamour? Man Ray (principios del siglo XX) y Helmut Newton (finales del siglo XX), entre otros, nos han demostrado que sí aunque con estilos diferentes. Podríamos decir que fueron pioneros.

Fotografía de Man Ray

Fotografía de Helmut Newton

August Sander fue pionero en el retrato. Innovó y creó un estilo propio basado en colocar frontalmente el modelo a la cámara, fuera cual fuera su clase social: campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, (los sin hogar, veteranos de guerra..).

Otro grande en la fotografía de naturaleza fue Ansel Adams, a quien le debemos el sistema de zonas que utilizan nuestras actuales cámaras para exponer correctamente una fotografía.

Recuerdo también una serie de fotografías de Frank Hurley que me sorprendieron especialmente. Retratan la aventura de la expedición al polo sur de Shackelton, explorador británico, en la cual su barco quedó atrapado en el hielo durante 22 meses. Son fotografías cercanas entre 1914 y 1916 y son espectaculares.

En esta línea también me parecen innovadoras las fotografías de Jaques Henri Lartigue, quien hacía barridos en las carreras de automovilismo a princios del siglo XX. ¡Era un visionario! Hacer estas fotos con los medios de que disponían entonces era todo un reto.

También sorprenden las fotos de lightpainting de Picasso.

Soy consciente de que todas estas fotos son grandes entre las grandes, muchas de ellas históricas, de momentos irrepetibles y no sólo importantes para nosotros, sino para el resto de la sociedad. Sin embargo, nuestras fotos domésticas también pueden ser muy potentes en cuanto al contexto en que fueron hechas. Las fotografías, como el vino, evolucionan. Generalmente ganan con el tiempo. Con la fotografía podemos recordar a esas personas que ya no están con nostros, momentos que han pasado, ese peinado hippie que llevaba nuestra madre, los pantalones de campana, el bigote a lo Freddie Mercury o ese tupé que nunca volveré a ver en mi ya despoblada cabeza. Es algo en lo que debemos pensar mientras hacemos fotografías a nuestros amigos y familiares. A veces es cuestión simplemente de esperar un año y otras tienen que pasar décadas.

Hay cantidad de momentos en nuestras vidas y de las personas que nos rodean que, retratados en una foto, tendrán un gran valor con el paso del tiempo. Es bueno ser consciente de esto para no dejar pasarlos sin fotografiarlos, sin tampoco obsesionarnos, claro. Un ejemplo cercano para mí es el primer día de colegio de mi sobrino. Tuve la suerte de ir con él al colegio ese día. Hoy, sólo un par de años después, estas fotos ya son históricas. Para empezar porque su madre estaba embarazada de la que ahora es su hermanita.

Me encanta ver su cara de desconcierto e inquietud por lo desconocido, escondido detrás de las piernas de su padre.

Y me encanta esta foto con uno de sus mejores amigos, también en su primer día de colegio, con los uniformes grandes. Ojalá dentro de 15 años sigan siendo colegas y les guste reconocerse en ella. Hasta entonces no sabremos el valor que puede llegar a tener. ¿No es eso emocionante?

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Tanto botón y tanta opción nos abruma. El manual de la cámara se nos pone cuesta arriba. Empieza a hablar de cosas que no entendemos como el tiempo de exposición o la apertura de diafragma. Alucinamos cuando descubrimos que hay una cosa que se llama profundidad de campo. Todo un mundo de posibilidades se nos pone por delante. Tenemos el control en nuestras manos.

Y de repente llega Photoshop. Ahora el horizonte está todavía más lejos. Nos emocionamos y empezamos a disparar. Como vemos que más o menos entendemos los botones de la cámara empezamos a hacer fotos y rápidamente dejamos de lado el manual. La emoción nos puede y finalmente nos volvemos unos posesos del disparo.

Entonces nos llega el pensamiento de que aquello es difícil, y que requiere tiempo para aprender, que ya aprenderemos con el tiempo a base de hacer fotos. Esto es cierto sólo en parte. Lo malo es pensar que la fotografía no es asequible, ni comprensible, y que nos llevará años entenderla. Nos acomodamos, y finalmente no progresamos. Como las fotos no salen todo lo bien que queremos nos obsesionamos con Photoshop y dejamos de lado el aspecto más puramente fotográfico. Luego pensamos que las fotos no salen bien porque nuestra cámara no es suficientemente buena, así que empezamos a invertir en equipo, accesorios, lentes, incluso otras cámaras.

Esta situación ocurre muy frecuentemente. En mi opinión esto ocurre porque creemos que en la fotografía hay una dificultad técnica y artística demasiado inaccesible y no hacemos el esfuerzo de superar esa barrera y preocuparnos en aprender. Sin embargo los conceptos no son tan complicados. Una vez entendidos es como montar en bicicleta, no se olvidan. De verdad que esto no es tan difícil. Hay como un aura mística alrededor de la fotografía que hace que sea algo casi mágico. Y en parte es así. Sin embargo la parte técnica es mucho más fácil de lo que parece. Es en la parte artística donde nuestra creatividad pone los límites.

Por eso quiero sugerir a todo aquel que tenga una reflex recién estrenada en sus manos que se preocupe de leer el manual de la cámara, de aprender fotografía en vez de Photoshop, de ver muchas fotografías, de aprender de los grandes, de experimentar y sobre todo que no se olvide nunca de divertirse mientras lo hace. Invierte en aprender en vez de invertir en equipo y experimenta si quieres salir del modo automático de la cámara y divertirte de verdad.

En internet y fuera de la red hay cientos de recursos que nos ayudarán a conseguir esto:
- Cursos de fotografía gratuitos – http://www.thewebfoto.com
- Libros y revistas
- Exposiciones
- Foros y blogs de fotografía

Aprovecha todos estos recursos y disfruta.

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Lo que nunca pensé es que el mismísmo Iker Jiménez (o su equipo) iba a hacer esto con mis fotos. En la web del presentador del programa Cuarto Milenio del canal televisivo Cuatro, se está utilizando sin permiso expreso una fotografía mía protegida por derechos de autor. La foto en concreto muestra el interior de la cámara de gas del campo de concentración nazi de Dachau, cerca de Munich, y pertenece a una serie que ya presenté en este blog. La está utilizando en una sección llamada Proyecto Dachau ¿Qué hacemos ahora? ¿Reclamamos? Me parece muy triste que gente con medios se dedique a “tomar prestadas” fotos de otras personas con fines no privados.

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Palabras de uno de los grandes de la fotografía española.

Hace unos días leí un interesantisimo artículo en El Mundo que me hizo pensar. En él, el fotógrafo Ramón Masats, premio nacional de fotografía de 2004, decía haberse cansado de la fotografía. Ha decidido dejarla del todo, y centrarse en otras cosas.

Yo aún estoy en la adolescencia fotográfica, descubriendo, probando, aprendiendo día a día. A veces incluso más que en la adolescencia me siento en la más incipiente infancia. Sin embargo, leer estas palabras de este pedazo de  fotógrafo me hizo plantearme si acaso yo podré algún día cansarme de la fotografía.

Para mí es mucho más que una afición. Es algo que vivo de muchas formas diferentes, y que me llena tanto que sólo el hecho de pensar en que algún día me canse de ella me entristeció. Sin embargo traté de entenderle. La vida cambia, las prioridades cambian, y sí, es posible que algún día yo me canse de la fotografía, aunque ahora me cueste concebirlo. Crea que la fotografía no tiene límites y que es cuestión de cambiar de ámbito, pero incluso así, es posible llegar a un punto en el que ya no aporte nada. De momento trataré de disfrutarla todo lo que pueda y buscar mis límites.

Entendí que no debo entristecerme el día que llegue ese momento, si es que llega. Es posible que algún día me canse de hacer fotos, de lo que estoy seguro que nunca me cansaré es de ver otras fotos. Es otra forma de vivirlo. Os recomiendo el artículo, es muy interesante.

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Millenium Bridge

Primero acordé con el local donde exponía, un pub muy chulo de Cáceres, el número de fotos (11) y el tamaño de estas, en función de las paredes y del presupuesto, que fue 50×75 cm. en mi caso. Hay que definir fechas y demás condiciones con el local. Una de las condiciones fue que éste se quedaba una foto a elegir, pagando por ella. El bar daba un pequeño aperitivo, bebida y unos canapés, el día de la inauguración. Una cosa que hice mal fue no estudiar bien la luz del local. El dueño del local me dijo que tenía buenas luces y yo me fié sin probarlas. Pero no era cierto y las fotos se veían regular porque no tenían iluminación apropiada. Las fotos quedaban un poco oscuras. Estudia muy bien la luz del local y asegúrate de que es buena. Aclara también cómo tendrás que fijar las fotos a la pared. Puede que vayan colgadas con hilos o de alguna forma que no hayas previsto.

Una vez cerrado todo el acuerdo preparé un cartel. Trata de que el cartel sea representativo de la colección que vas a presentar, con una imagen atractiva. Asegúrate de incluir toda la información necesaria. Necesitas tenerlo todo cerrado y confirmado antes de preparar el cartel porque en él pondrás fechas, el título de la exposición, tu nombre y cómo no el lugar.

En cuanto a pasar las fotos a papel ten cuidado con los tamaños. Depende mucho del lugar donde vayas a exponer y del efecto que quieras conseguir. En un libro leí que para las exposiciones siempre has de pagar el mejor positivado que puedas permitirte. Al fin y al cabo esperas que esas impresiones duren todo lo posible a lo largo del tiempo. Yo personalmente prefiero que el papel sea mate para evitar brillos y reflejos molestos. Ya me gustaría haber gastado todo lo que puedo permitirme en positivado, pero mi presupuesto no me lo permitía. Aún así el positivado era bastante bueno y de hecho está aguantando muy bien el paso del tiempo.

Bayswater

Otro aspecto a tener en cuenta es el montaje de las fotos. Yo las emarqué en una marquetería de barrio. Mira esto muy bien porque suele variar mucho el precio de un sitio a otro. Mira en varios. Enmarqué con un marco negro clásico y cristal mate. Lo del cristal mate es muy importante porque evitarás brillos y reflejos al exponerlo. Si dudas de la posible pérdida de nitidez por el cristal mate, olvídate. Las fotos quedan de lujo en cristal mate y no pierdes nada de nitidez. Si volviera a enmarcarlas de nuevo buscaría algo más estandar que no pase de moda y quede bien. Los marcos de aluminio también quedan muy bien, sobre todo si imprimes las fotos en soporte rígido tipo foam.

Soho Window

Si volviera a hacerlo pondría paspartús, cosa que no hice por falta de presupuesto, pero es que las fotos mejoran una barbaridad con un paspartús, incluso aunque imprimas en tamaño más pequeño. Esto también depende de las fotos y la temática. A algunas les va bien el paspartús porque parece que “respiran” mejor. A otras no les va bien. Ante falta de presupuesto también puedes añadir un margen blanco a las fotos digitalmente antes de imprimirlas.

Un italiano en Londres

En cuanto al tema pasta, ve pensando que vas a perder dinero, y si luego suena la flauta genial, pero de entrada no esperes hacer negocio. Lo de valorar tus propias fotos es difícil. Yo lo que hice fue calcular lo que me costó preparar cada foto entre impresión y soporte (45 euros) y duplicarlo. Asi que las vendí todas por 90 euros. Quizás si hubiera expuesto en un sitio más tipo galería habría pedido entre 150 y 200 euros. Que nadie use esto como referencia, sería un error. Lo que sí es importante es valorar las fotos en función del público que va a verlas y su capacidad económica, el lugar donde se exponen y cómo no, el caché del fotógrafo. En mi caso yo soy un total desconocido, era mi primera exposición y fue en un local de copas, donde la gente no va a comprar fotos.

Look Right

Vendí 3 fotos, pero pude haber vendido más. Aquí cometí varios errores. Le dije al encargado del bar que las podía vender por 90 euros, pero él no se lo transmitió al resto del personal del bar. Así que hubo gente que preguntó si se vendían y como no supieron responder no se vendieron. Lo que te recomiendo que hagas es preparar cartelitos pequeños poniendo que las fotos están en venta y con el precio. Por otro lado puedes indicar que se pueden encargar más copias o algo así. Incluso puedes llevar unos circulitos adhésivos para marcar las que ya están vendidas. Esto yo no lo hice y fue un error muy grande. No pude seguir mejor la exposición porque fue en Cáceres y yo vivía en Madrid. Cuando quise darme cuenta del error ya estaba recogiendo las fotos.

London life

Cada foto llevaba una pequeñita de 10×15 a modo de rótulo, indicando el título de la foto, el autor (mi nombre), mi dirección de correo electrónico y mi página web. Esto lo hice con Photoshop y lo revelé también como si fuera una foto de 10×15, en papel mate. Me faltó haber añadido el precio. También hice tarjetas de visita para dejar por el pub. Así quien estuviera interesado podía llevarse una a casa. En las tarjetas iba mi dirección de correo, el teléfono y lo más importante, mi página web. Las tarjetas las hice a través de internet en www.logiprint.es y quedaron fenomenal. En esta página te proponen diseños, pero también puedes imprimir tarjetas con tu propio diseño.

En mi caso el local se encargó de imprimir los carteles, aunque lo maqueté yo, y los ditribuyó por sitios públicos, como la universidad, la biblioteca, otros locales, etc… También se encargó de comunicar la exposición a algunos medios locales de información.

Notting Hill

Tan importante es preparar las fotos para la exposición como promocionarla. En mi caso una amiga periodista escribió una nota de prensa para enviarla a medios de información, preparada para copiar y pegar en la redacción. Esto es muy importante porque si les mandas una nota de prensa que pueden copiar y pegar puede que la pongan, si es una nota que tienen que andar tocando entonces puede que pasen de ella. Investigué por internet y envié a las redacciones de periódicos, radio, foros de internet de fotografía, revistas y revistas web de fotografía, blogs, etc…

Bar diner gallery

Ésta fue la nota de prensa que envié a los medios. Es importante que la nota indique el título de la exposición, brevemente de qué va la exposición, algo sobre el fotógrafo, referencias a tu trabajo anterior, donde es la exposición, cuando se inaugura y cuanto tiempo dura, una imagen del cartel de la exposición y un teléfono de contacto.

Exposición de fotografía “Look Right“

Jesús Rodríguez Martín, fotógrafo cacereño residente en Madrid, les muestra los rincones más bellos de Londres con una mirada muy personal.

La exposición, que se inaugura el próximo 11 de abril, refleja con una serie de fotografias el ambiente de la capital más internacional, dando al espectador la oportunidad de viajar a Londres sin salir de Extremadura.

El artista ha decidido, tras exponer en Sevilla y Madrid, que no podía olvidar su ciudad natal, a la que lleva, bajo el título Look Right, alguna de sus fotografías más frescas.

Jesús es además creador de un curso de fotografía on line (www.thewebfoto.com) y publica sus obras en www.jrodriguez.thewebfoto.com

La exposición permanecerá en Cáceres durante dos semanas,  en La Habana, C/ Pizarro Nº 1

Se adjunta cartel de la exposición.

No duden en ponerse en contacto con el teléfono 666 666 666

Thames watcher

Distribuye los carteles o panfletos en lugares públicos donde creas que puedes encontrar interesados en tu exposición. En www.logiprint.es también preparan trípticos, panfletos y cosas así. Si quieres darte a conocer como fotógrafo puede ser interesante preparar un tríptico para entregar en la propia exposición, con tu historial fotográfico. El boca a boca funciona mucho. Cuéntale a todo el mundo que haces una exposición. Yo en mi caso la hice coincidir con la boda de mi hermana. Así todos sus amigos fueron a verla ese finde. Aprovecha las redes sociales como Facebook o Twitter para anunciar la exposición.

London Eye

Te recomiendo que le pongas título a las fotos. Ayudan a meterlas en un contexto. Una de las cosas más importantes a la hora de montar una exposición es que deben llevar una temática. Las fotos han de ser de una calidad y estilo homogénea, que funcione como un todo. En cuanto a la cantidad más vale bueno y poco que malo y mucho. También el número y tamaño de las fotos vendrá muchas veces definido por el presupuesto, y es que el bolsillo manda mucho. Trata de que alguien subvencione tu exposición de alguna manera. Si lo consigues será genial, porque no es lo habitual. Otra forma de rentabilizar la impresión y el montaje es reutilizar las fotos que no se vendan para otras exposiciones de la misma colección. Yo de momento no he repetido.

Evening at Holland Park

Al final yo me gasté en torno a 500 euros y recuperé más o menos la mitad con las fotos que vendí, vamos que palmé dinero. Aún así estoy muy contento y satisfecho. Fue una experiencia genial. Es muy divertido escuchar a la gente opinar sobre tus fotos. Una cosa que hice mucho es preguntar cuál era la que más les gustaba, la que menos y por qué. Lo mejor es que cada uno te decía una, lo cual demostraba que había un nivel uniforme entre las fotos, y que cada uno te da una opinión diferente, porque cada uno tiene sus propios gustos. Por lo menos averiguas si has conseguido transmitir lo que querías o no.

Otro día me gustaría dar mi opinión sobre si sirven de algo las exposiciones, pero ese es un tema muy extenso.

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